Снимка: С любезното съдействие Naturhistorisches Museum

Вашата скулптура в историята на изкуството, тази малка фигурка с размери малко над четири инча височина е открита в Австрия през 1908 г. Никой не знае каква функция е изпълнявала, но предположенията варират от богиня на плодородието до помощ при мастурбация. Някои учени предполагат, че това може да е автопортрет, направен от жена. Това е най-известният от много подобни обекти, датиращи от старокаменната ера.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Wiki Media/Филип Пикарт

Този портрет е символ на женската красота, откакто е открит за първи път през 1912 г. в руините на Амарна, столицата, построена от най-противоречивия фараон в историята на Древен Египет: Ехнатон. Животът на неговата кралица Нефертити е нещо мистериозно: Смята се, че тя е управлявала като фараон за известно време след смъртта на Ехнатон - или по-вероятно, като съ-регент на Момчето крал Тутанкамон. Някои египтолози смятат, че тя всъщност е била майката на Тут. Смята се, че този бюст от варовик с гипсова мазилка е дело на Тутмос, придворен скулптор на Ехнатон.

Снимка: С любезното съдействие CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Открита през 1974 г., Теракотената армия е огромно скривалище от глинени статуи, заровени в три масивни ями близо до гробницата на Ши Хуанг, първият император на Китай, починал през 210 г. пр.н.е. Предназначена да го защитава в отвъдния живот, според някои оценки армията наброява повече от 8000 войници заедно с 670 коня и 130 колесници. Всеки е в реален размер, въпреки че действителният ръст варира в зависимост от военното звание.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Wiki Media/LivioAndronico

Може би най-известната скулптура от римската античност,Лаокоон и неговите синовепървоначално е открит в Рим през 1506 г. и е преместен във Ватикана, където се намира и до днес. Базиран е на мита за троянски свещеник, убит заедно със синовете си от морски змии, изпратени от морския бог Посейдон като възмездие за опита на Лаокоон да разкрие хитростта на Троянския кон. Първоначално поставена в двореца на император Тит, тази фигуративна група в реален размер, приписвана на трио гръцки скулптори от остров Родос, е ненадмината като изследване на човешкото страдание.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Една от най-емблематичните творби в цялата история на изкуството, Давид на Микеланджело, води началото си от по-голям проект за украса на опорите на великата катедрала във Флоренция, Дуомо, с група фигури, взети от Стария завет. TheДейвиде един и всъщност е започнат през 1464 г. от Агостино ди Дучо. През следващите две години Агостино успява да изчисти част от огромния мраморен блок, изсечен от известната кариера в Карара, преди да спре през 1466 г. (Никой не знае защо.) Друг художник се забави, но той също само работих върху него за кратко. Мраморът остава недокоснат през следващите 25 години, докато Микеланджело не възобновява издълбаването му през 1501 г. По това време той е на 26 години. Когато беше готов, Давид тежеше шест тона, което означаваше, че не можеше да бъде издигнат на покрива на катедралата. Вместо това беше изложено точно пред входа на Палацо Векио, кметството на Флоренция. Фигурата, една от най-чистите дестилации на високия ренесансов стил, веднага беше прегърната от флорентинската общественост като символ на собствената съпротива на града-държава срещу силите, настроени срещу него. През 1873 г.,Дейвидбеше преместен в Галерия Академия и на първоначалното си място беше инсталирана реплика.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Признат като родоначалник на високия римски бароков стил, Джан Лоренцо Бернини създава този шедьовър за параклис в църквата Санта Мария дела Витория. Барокът е неразривно свързан с Контрареформацията, чрез която католическата църква се опитва да спре вълната от протестантство, нахлуваща в Европа през 17-ти век. Произведения на изкуството като тези на Бернини бяха част от програмата за препотвърждаване на папската догма, добре обслужвана тук от гения на Бернини да насища религиозните сцени с драматични разкази.екстазе пример за това: нейният обект — Света Тереза ​​от Авила, испанска монахиня-кармелитка и мистик, която пише за срещата си с ангел — е изобразен точно когато ангелът се кани да забие стрела в сърцето ѝ.екстазЕротичните нюанси на са несъмнени, най-очевидно в оргазмичното изражение на монахинята и гърчещата се тъкан, обгръщаща и двете фигури. Архитект, както и художник, Бернини също така проектира обстановката на параклиса в мрамор, циментова замазка и боя.

Снимка: С любезното съдействие на Музея на изкуствата Метрополитън/Fletcher Fund

Италианският художник Антонио Канова (1757–1822) се смята за най-великият скулптор на 18-ти век. Неговата работа олицетворява неокласическия стил, както можете да видите в неговото предаване в мрамор на гръцкия митичен герой Персей. Канова всъщност направи две версии на произведението: едната се намира във Ватикана в Рим, а другата стои в Европейския скулптурен двор на Музея на изкуствата Метрополитън.

Снимка: Музеят на изкуството Метрополитън

Докато майсторът импресионист Едгар Дега е най-известен като художник, той също е работил в областта на скулптурата, създавайки това, което може би е най-радикалното усилие в неговото творчество. Дега изработваМалката четиринадесетгодишна танцьоркаот восък (от който последвали бронзови копия са отлети след смъртта му през 1917 г.), но фактът, че Дега облича едноименния си обект в истински балетен костюм (допълнен с корсаж, пачка и чехли) и перука от истинска коса, предизвиква сензация, когатоТанцьоркадебютира на Шестата изложба на импресионистите през 1881 г. в Париж. Дега избра да покрие повечето от своите украшения с восък, за да съответства на останалите черти на момичето, но той запази пачката, както и панделката, завързваща косата й, както бяха, правейки фигурата един от първите примери за открит предмет чл.Танцьоркае единствената скулптура, която Дега излага през живота си; след смъртта му още около 156 екземпляра бяха открити да лежат в ателието му.

Снимка: С любезното съдействие Филаделфийски музей на изкуството

Докато повечето хора свързват великия френски скулптор Огюст РоденМислителят, този ансамбъл, отбелязващ инцидент по време на Стогодишната война (1337–1453) между Великобритания и Франция, е по-важен за историята на скулптурата. Поръчан за парк в град Кале (където продължилата една година обсада от англичаните през 1346 г. беше вдигната, когато шестима градски старейшини се предложиха за екзекуция в замяна на пощадяване на населението),Бюргеритеизбягва формата, типичен за паметниците по онова време: Вместо фигури, изолирани или натрупани в пирамида на върха на висок пиедестал, Роден сглобява своите субекти в реален размер директно на земята, на нивото на зрителя. Този радикален ход към реализъм скъса с героичното отношение, което обикновено се предоставя на такива произведения на открито. сБюргерите, Роден прави една от първите стъпки към модерната скулптура.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Flickr/Wally Gobetz

През 1912 г. Пикасо създава картонен макет от произведение, което ще има огромно въздействие върху изкуството на 20-ти век. Също така в колекцията на MoMA той изобразява китара, тема, която Пикасо често изследва в живописта и колажа, и в много отношения,китарапрехвърли техниките за изрязване и поставяне на колажа от две измерения в три. Той направи същото и за кубизма, като сглоби плоски форми, за да създаде многостранна форма с дълбочина и обем. Нововъведението на Пикасо беше да избегне конвенционалното издълбаване и моделиране на скулптура от твърда маса. вместо товакитарабеше закрепен заедно като конструкция. Тази идея би отекнала от руския конструктивизъм до минимализма и отвъд него. Две години след създаването накитарав картон, Пикасо създава тази версия в нарязан калай

Снимка: Музеят на изкуството Метрополитън

От радикалното си начало до последното си фашистко въплъщение италианският футуризъм шокира света, но нито една творба не илюстрира чистия делириум на движението от тази скулптура на един от водещите му светила: Умберто Бочони. Започвайки като художник, Бочони се насочва към работа в три измерения след пътуване през 1913 г. до Париж, по време на което обикаля ателиетата на няколко авангардни скулптори от периода, като Константин Бранкузи, Реймон Дюшан-Вийон и Александър Архипенко. Boccioni синтезира техните идеи в този динамичен шедьовър, който изобразява крачеща фигура, поставена в „синтетична непрекъснатост“ на движение, както го описва Boccioni. Първоначално произведението е създадено в гипс и не е отлято в познатата си бронзова версия до 1931 г., доста след смъртта на художника през 1916 г. като член на италиански артилерийски полк по време на Първата световна война.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Роден в Румъния, Бранкуши е един от най-важните скулптори на модернизма от началото на 20-ти век - и наистина една от най-важните фигури в цялата история на скулптурата. Един вид прото-минималист, Бранкузи взе форми от природата и ги рационализира в абстрактни изображения. Неговият стил е повлиян от народното изкуство на родината му, което често включва живи геометрични модели и стилизирани мотиви. Той също така не прави разлика между обект и основа, като ги третира в определени случаи като взаимозаменяеми компоненти - подход, който представлява решаващо прекъсване на скулптурните традиции. Това емблематично произведение е портрет на неговия модел и любовница Маргит Погани, унгарска студентка по изкуство, която среща в Париж през 1910 г. Първата итерация е издълбана в мрамор, последвана от гипсово копие, от което е направен този бронз. Самата мазилка беше изложена в Ню Йорк на легендарното Armory Show от 1913 г., където критиците я осмиваха и заклеймяваха. Но това беше и най-възпроизвежданото парче в шоуто. Бранкузи работи върху различни версии наГ-жо Поганиза около 20 години.

Снимка: С любезното съдействие на Музея на модерното изкуство

Колело за велосипедсе смята за първия от революционните редимейдове на Дюшан. Въпреки това, когато завърши парчето в своето парижко студио, той наистина нямаше представа как да го нарече. „Имах щастливата идея да закрепя колело на велосипед за кухненска табуретка и да го гледам как се върти“, ще каже по-късно Дюшан. Отнема пътуване през 1915 г. до Ню Йорк и излагане на огромното производство на фабрично произведени стоки в града, за да може Дюшан да излезе с термина готови. По-важното е, че той започва да вижда, че правенето на изкуство по традиционния, ръчно изработен начин изглежда безсмислено в индустриалната епоха. Защо да се притесняваме, каза той, когато широко разпространените произведени продукти могат да свършат работа. За Дюшан идеята зад произведението е по-важна от това как е направено. Това понятие - може би първият реален пример за концептуално изкуство - би трансформирало напълно историята на изкуството в бъдеще. Много като обикновен предмет от бита, но оригиналътКолело за велосипедне е оцелял: Тази версия всъщност е реплика, датираща от 1951 г.

Снимка: Музей на американското изкуство Whitney, © 2019 Calder Foundation, Ню Йорк/Artists Rights Society (ARS), Ню Йорк

Любим предмет на постоянната колекция на музея Уитни,Циркът на Калдърдестилира игривата същност, която Александър Калдър (1898–1976) донесе като художник, помогнал за оформянето на скулптурата на 20-ти век.Цирк, който е създаден по време на времето на художника в Париж, беше по-малко абстрактен от неговите висящи „мобили“, но по свой собствен начин беше също толкова кинетичен: направен предимно от тел и дърво,Циркслужи като централен елемент за импровизационни изпълнения, в които Калдър се движеше около различни фигури, изобразяващи конторсионисти, гълтачи на мечове, укротители на лъвове и т.н., като божествен ръководител.

Снимка: С любезното съдействие на музея J. Paul Getty

Като художник и дизайнер на гоблени, както и като скулптор, френският художник Аристид Майол (1861–1944) може да бъде описан най-добре като модерен неокласицист, който е поставил рационализирано завъртане от 20-ти век на традиционните гръко-римски статуи. Той може да бъде описан и като радикален консерватор, въпреки че трябва да се помни, че дори авангардни съвременници като Пикасо създават творби в адаптация на неокласически стил след Първата световна война. Темата на Майол е женското голо тяло, а вL'Air, той е създал контраст между материалната маса на обекта си и начина, по който изглежда, че се носи в пространството – балансирайки, така да се каже, твърдата физичност с мимолетното присъствие.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Flickr/C-Monster

Японски художник, който работи в различни среди, Кусама идва в Ню Йорк през 1957 г., завръщайки се в Япония през 1972 г. Междувременно тя се утвърждава като основна фигура на сцената в центъра на града, чието изкуство докосва много основи, включително поп арт, минимализъм и изпълнение чл. Като жена художник, която често се позовава на женската сексуалност, тя също е предшественик на феминисткото изкуство. Работата на Кусама често се характеризира с халюциногенни модели и повторения на форми, склонност, вкоренена в определени психологически състояния - халюцинации, OCD - тя страда от детството си. Всички тези аспекти от изкуството и живота на Кусума са отразени в тази творба, в която обикновен, тапициран мек стол е изнервящо погълнат от подобно на чума огнище на фалически издатини, направени от шита пълнена тъкан.

Снимка: Музей на американското изкуство Whitney, Ню Йорк, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Ню Йорк

Известна само с малкото си име, Марисол Ескобар (1930–2016) е родена в Париж на венецуелски родители. Като художник тя се свързва с поп изкуството и по-късно с оп арта, въпреки че стилистично тя не принадлежи към нито една от двете групи. Вместо това, тя създаде фигуративни картини, които бяха замислени като феминистки сатири на ролите на половете, знаменитостите и богатството. вЖени и кучетя поема обективирането на жените и начина, по който наложените от мъжете стандарти за женственост се използват, за да ги принудят да се съобразяват.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Flickr/Rocor

Кутията Brillo е може би най-известната от поредица скулптурни творби, създадени от Уорхол в средата на 60-те години, които ефективно пренасят неговото изследване на поп културата в три измерения. Верен на името, което Уорхол бе дал на студиото си – Фабриката – художникът нае дърводелци, за да работят на нещо като поточна линия, заковавайки дървени кутии във формата на картонени кутии за различни продукти, включително Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes и Campbell's Soup, като добре сапунени тампони Brillo. След това той боядиса всяка кутия в цвят, съответстващ на оригинала (бяло в случая на Brillo), преди да добави името на продукта и логото на ситопечат. Създадени в няколко кутии, кутиите често бяха показвани в големи купчини, ефективно превръщайки галерията, в която се намираха, във висококултурно копие на склад. Тяхната форма и серийно производство може би бяха намигване към или пародия на тогавашния зараждащ се минималистичен стил. Но истинската точка наКутия Brilloе начинът, по който тясното му приближаване до истинското нещо подкопава художествените конвенции, като внушава, че няма реална разлика между произведените стоки и работата от студиото на художник.

Снимка: С любезното съдействие CC/Flickr/Esther Westerveld

Името на Доналд Джъд е синоним на минималното изкуство, движението от средата на 60-те години, което дестилира рационалистичния щам на модернизма до основни неща. За Джъд скулптурата означава артикулиране на конкретното присъствие на творбата в пространството. Тази идея беше описана с термина „специфичен обект“ и докато други минималисти я прегърнаха, Джъд може би даде най-чистия израз на идеята, като прие кутията като своя подписна форма. Подобно на Уорхол, той ги произвежда като повтарящи се единици, използвайки материали и методи, заимствани от индустриалното производство. За разлика от кутиите за супа и Мерилин на Уорхол, изкуството на Джъд не се отнасяше до нищо извън себе си. Неговите „стекове“ са сред най-известните му произведения. Всяка се състои от група еднакви плитки кутии, изработени от поцинкована ламарина, стърчащи от стената, за да създадат колона от равномерно разположени елементи. Но Джъд, който започна като художник, се интересуваше точно толкова от цвета и текстурата, колкото и от формата, както се вижда тук от оцветения в зелено лак за каросерия, нанесен върху предната страна на всяка кутия. Взаимодействието на цвят и материал на Judd даваБез име (стек)придирчива елегантност, която смекчава своя абстрактен абсолютизъм.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Flickr/Rocor

Подобно на Бенглис, Хесе беше жена художник, която филтрира постминимализма през безспорно феминистка призма. Еврейка, избягала от нацистка Германия като дете, тя изследва органични форми, създавайки парчета от промишлено фибростъкло, латекс и въжета, които предизвикват кожа или плът, гениталии и други части на тялото. Като се има предвид нейното минало, изкушаващо е да се открие скрито течение на травма или безпокойство в произведения като това.

Снимка: С любезното съдействие на Музея на модерното изкуство

Следвайки Джъд и Флавин, група художници се отклониха от естетиката на минимализма на чистите линии. Като част от това постминималистично поколение, Ричард Сера постави концепцията за конкретния обект на стероиди, като значително увеличи неговия мащаб и тегло и направи законите на гравитацията неразделна част от идеята. Той създаде несигурни балансиращи актове от стоманени или оловни плочи и тръби, тежащи в тонове, които имаха ефекта да придадат усещане за заплаха на произведението. (В два случая монтажниците, монтиращи части на Serra, бяха убити или осакатени, когато работата случайно се срути.) През последните десетилетия работата на Serra възприе криволинейно усъвършенстване, което я направи изключително популярна, но в началото работи като One Ton Prop (House на карти), който включва четири оловни плочи, облегнати една до друга, изрази притесненията си с брутална прямота.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Следвайки общата контракултурна тенденция през 60-те и 70-те години на миналия век, художниците започват да се бунтуват срещу комерсиализма на света на галериите, развивайки радикално нови форми на изкуство като земни работи. Известен още като земно изкуство, водещата фигура в жанра е Робърт Смитсън (1938–1973), който заедно с художници като Майкъл Хейзър, Уолтър Де Мария и Джеймс Търъл се впускат в пустините на Западните Съединени щати, за да създадат монументални произведения, които действаха в съгласие със заобикалящата ги среда. Този специфичен за обекта подход, както започна да се нарича, често използва материали, взети директно от пейзажа. Такъв е случаят със СмитсънСпирален кей, който се вдава в Голямото солено езеро на Юта от Розел Пойнт на североизточния бряг на езерото. Изработен от кал, солни кристали и базалт, извлечен на място,Спирални мерки за кей1500 на 15 фута. Беше потопен под езерото в продължение на десетилетия, докато суша в началото на 2000-те не го извади отново на повърхността. през 2017 г.Спирален кейе обявен за официално произведение на изкуството на Юта.

Снимка: С любезното съдействие на CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Елегантната работа на родения във Франция художник,Паяке създадена в средата на 90-те, когато Bourgeois (1911-2010) вече е над осемдесетте. Съществува в множество версии с различен мащаб, включително някои монументални.Паяке замислен като почит към майката на художника, реставраторка на гоблени (оттук и алюзията за склонността на паякообразните да предат мрежи).

Shutterstock

Носител на престижната награда Търнър през 1994 г., Антъни Гормли е един от най-известните съвременни скулптори в Обединеното кралство, но също така е известен по целия свят с уникалния си поглед върху фигуративното изкуство, в което се основават широки вариации в мащаба и стила, в по-голямата си част, по същия шаблон: отливка от собственото тяло на художника. Това важи и за този огромен монумент с крила, разположен близо до град Гейтсхед в североизточна Англия. Разположен край главна магистрала,Ангелсе издига до 66 фута височина и обхваща 177 фута ширина от върха на крилото до върха на крилото. Според Гормли, произведението е замислено като вид символичен маркер между индустриалното минало на Великобритания (скулптурата се намира в въглищната страна на Англия, сърцето на индустриалната революция) и нейното постиндустриално бъдеще.

С любезното съдействие CC/Flickr/Richard Howe

Наричан галено „Бобчето“ от жителите на Чикаго заради извитата му елипсоидална форма,Cloud Gate, центърът на публичното изкуство на Anish Kapoor за Millennium Park на втория град, е едновременно произведение на изкуството и архитектура, осигурявайки готова за Instagram арка за неделни колички и други посетители на парка. Изработен от огледална стомана,Cloud GateОтражателната способност и големият мащаб на забавната къща го правят най-известното произведение на Капур.

С любезното съдействие на художника и Грийн Нафтали, Ню Йорк

Работата на Рейчъл Харисън съчетава съвършен формализъм с умение да влага в привидно абстрактни елементи множество значения, включително политически. Тя яростно поставя под съмнение монументалността и мъжкия прерогатив, който върви с нея. Харисън създава по-голямата част от своите скулптури, като подрежда и подрежда блокове или плочи от стиропор, преди да ги покрие в комбинация от цимент и живописни орнаменти. Черешката отгоре е някакъв намерен предмет, самостоятелно или в комбинация с други. Ярък пример е този манекен върху издължена, опръскана с боя форма. Носейки пелерина и обърната назад маска на Ейбрахам Линкълн, произведението изпраща теорията за великия човек на историята с нейното извикване на завоевателя на древния свят, стоящ висок върху скала с цвят на клоун.